En compétition au Festival du Film Britannique et Irlandais de Dinard, « 7 Keys », a la beauté des grands films britanniques et la singularité des cinéastes indépendants. Dans cette romance toxique, la réalisatrice Joy Wilkinson explore les relations humaines à travers un road-trip dans le Londres invisible, où la fascination des deux amoureux pour la capitale anglaise se confronte à la réalité : Londres est une ville résolument moderne mais sombre, dure, et difficile à appréhender pour une jeunesse épris de liberté.
Sensuel et violent, surprenant et puissant, « 7 Keys » est un thriller psychologique avec une esthétique très travaillé et une colorimétrie définies pour chaque personnage, ajoutant à la mise en scène des sensations uniques.
Des petits appartements aux penthouses du bord de la rivière, Joy Wilkinson revient sur le processus créatif de son film, ses couleurs et le travail des décors et évoque la caractérisation des deux héros ainsi que le sa collaboration avec leurs interprètes.
Synopsis :
Daniel a gardé les clés de tous les endroits où il a vécu. Lena veut les utiliser pour un week-end charnel entre elle et Daniel dans les maisons d’autres personnes. Mais alors que Lena dévoile le passé de son amant, un fantasme devient dangereux…
« 7 Keys » est un road trip au cœur de Londres, mettant en scène deux protagonistes, Lena et Daniel. La première chose qui saute aux yeux est l’esthétique visuelle du film, avec ses néons et ses couleurs vives. Il y a également deux ou trois plans de Londres avec une couleur « rouille ». Comment avez-vous conçu l’esthétique et l’atmosphère du film ?
Dès le début, j’avais une palette complète de chaque tonalité, avec une couleur, une chanson et un acte physique. Tout cela était lié à l’idée que ces personnages traversent le spectre émotionnel, que Lena est à une extrémité et Daniel à l’autre, et qu’ils doivent passer par toutes les couleurs ensemble. L’idée de la couleur était donc présente dès le début. J’ai travaillé avec le directeur de la photographie et le coloriste en post-production pour trouver le niveau de la couleur, qui devait être un choix audacieux et non subtil dans la mise en scène.
Seven (référence au titre du film), c’est le spectre newtonien, le spectre des couleurs d’Isaac Newton qui est composé de 7 couleurs et nous avons joué avec d’autres choses, comme des tonalités musicales du film, afin d’ajouter une sorte de nombre magique là-dedans. Mais cela correspondait, disons, au rouge pour la luxure dans la première tonalité, puis plus sombre vers la fin, et au vert pour le genre d’amour au milieu.
La ville elle-même semble être un personnage du film. Comment avez-vous abordé le tournage pour rendre ce road trip immersif ?
Nous avons toujours voulu tourner à Londres, ce qui est très difficile avec un budget serré, mais de brillants producteurs ont fait en sorte que cela se produise. Nous sommes passés d’appartements sociaux à des penthouses, ce qui nous a permis de saisir l’esprit de Londres, où des gens très pauvres vivent à côté de gens très riches. Nous nous sommes déplacés dans Londres du sud à l’ouest, du nord à l’est pour tout couvrir, et nous l’avons fait en 18 jours.
Je vis à Londres depuis plus de 20 ans. Et je suis originaire de Londres. Je suis moi-même fasciné par Londres et j’aime en explorer les recoins qui ne sont pas touristiques. Je sors toujours de la rue principale, ce qui en dit probablement long sur mon écriture, car j’aime trouver des endroits qui n’ont pas encore été explorés.
J’ai vécu dans beaucoup de ces endroits, pas dans ces maisons, mais j’ai vécu dans ces quartiers, donc je connais les coins. Mais il y a trois endroits où des personnes que je connais vivent et qui m’ont prêté leur maison.
Il y a un certain sens du cadre dans votre film, avez des géométries uniques, notamment dans les espaces restreints. Comment filmez-vous ces espaces restreints tels qu’une chambre ou une salle de bain ?
Nous utilisons une caméra appelée DJI Ronin. C’est une caméra très petite et stable qui nous a permis de réagir et de nous connecter avec les acteurs et de bouger avec eux pour qu’ils aient une certaine liberté même dans un espace très restreint. C’était très guidé par les émotions et chorégraphié de cette façon afin de ne pas être dans quelque chose d’austère et à distance, ce qui était très important pour nous et pour capturer leur énergie ensemble.
« 7 keys » est un véritable thriller psychologique qui plonge dans l’histoire de deux âmes brisées et troublées qui n’ont pas été épargnées par les épreuves de la vie. Pour poursuivre, selon vous, est-ce la ville qui influence le comportement des hommes et des femmes, un peu comme Gotham City transforme ses habitants, pour reprendre un exemple populaire et connu ?
C’est une très bonne question. Je pense que les villes ont toujours eu ce mélange d’envie d’y être pour se sentir important et avoir l’impression que sa vie a un sens, mais aussi pour se sentir complètement anonyme et avoir l’impression que sa vie ne veut rien dire. C’est le point nodal absolu du sens de la vie. On peut avoir l’impression d’être au centre du monde, mais on peut aussi avoir l’impression que le monde nous échappe. C’était donc un moyen d’explorer cela à travers ces deux personnes qui, lorsqu’elles sont ensemble et amoureuses, sont dans une bulle et sont tout ce qui compte. Et lorsque cette bulle éclate, personne ne s’en soucie ou ne sait s’ils existent ou non. C’est donc, oui, une sorte d’ode à la ville de cette manière et aux choses que j’aime et que je déteste à son sujet.
Venant du théâtre, j’imagine l’importance et le soin apportés aux décors. Comment avez-vous conçu les décors de chaque appartement où squattent les protagonistes ?
La créatrice est quelqu’un avec qui j’ai travaillé au théâtre, qui est très attachée à la vérité, l’honnêteté, l’authenticité des personnages. Elle a donc réalisé les costumes et les décors comme on le fait au théâtre. Nous avons donc vraiment cherché à savoir comment cette personne vivait dans cet espace, puis nous avons ajouté la couleur par-dessus.
Ils travaillent donc d’abord sur le personnage pour créer une atmosphère qui lui ressemble. Le décor, le costume. Ce qui n’arrive pas souvent au cinéma, ils prennent l’ensemble de l’apparence, ce qui était utile. Ce n’est pas souvent le cas au cinéma, mais au théâtre, ils font les deux.
En tant que dramaturge, vous devez également être très attentive au développement des personnages. Lena et Daniel ont de vraies personnalités. Daniel ressort peut-être davantage parce qu’il est psychologiquement plus instable, mais les personnages ne sont jamais tout blancs ou tout noirs. Parlez-nous de la caractérisation de ces deux protagonistes.
Effectivement, je viens du monde de l’écriture théâtrale et Emma et Billy, les deux comédiens du film, font aussi beaucoup de théâtre. Nous avons donc développé le scénario sur une longue période, mais nous l’avons aussi travaillé ensemble et nous avons trouvé plus de nuances et de moments de caractère entre eux. Nous avons également travaillé avec un coach en mouvement, mis le scénario de côté et exploré les personnages physiquement, en particulier Daniel, qui entreprend un énorme voyage pour passer de la dissimulation à la révélation des différentes couches de son identité. Faire cela de manière physique, montrer comment il change physiquement et ensuite mettre les mots dessus m’a vraiment aidé. Son personnage était très fermé au début. Puis il devient libre au fil de l’histoire.
Il y a aussi cette façon de filmer les corps qui est très belle…
Cela vient du fait que nous avons exploré le sujet avec de bons acteurs. Et, vous savez, nous avons caressé l’idée d’avoir une scène de sexe directe dans le bain, mais en fait nous avons réalisé que le rythme de l’histoire était plus axé sur l’amour et l’attention à l’autre et sur le toucher. Avec le directeur de la photographie, nous avons trouvé là une véritable intimité que je trouve magnifique.
Interview réalisée au Festival du Film Britannique et Irlandais de Dinard.
Casting : Emma McDonald, Billy Postlethwaite, Joey Akubeze, Kaylen Luke, Jane Goddard, Jemma Moore, Andrew Scarborough, Amit Shah…